Posteado por: Hamlet | noviembre 21, 2008

La creatividad, un don subestimado

No hay una definición precisa de creatividad, desconocemos cómo funciona en realidad. Si intentamos razonarlo, ver qué ocurre dentro de nuestras cabezas, no encontramos más que sombras. Queremos ver de donde provienen las ideas pero no lo sabemos. Es algo innato en nosotros, con el cual crecemos, y de a poco que crecemos lo perdemos. Frases como “no me sale” o “no puedo hacerlo” aparecen en nuestro vocabulario y perdemos lo que una vez fuimos de pequeños. Como dijo Guilford: “…la creatividad no es el don de unos pocos escogidos, sino que es, una propiedad compartida por toda la humanidad en mayor o menor grado.”

Para poder desarrollar mejor el acto creativo, se debe conocer su funcionamiento. Por supuesto hay innumerables autores que escribieron sobre creatividad. Jorge Frascara dijo: “Creatividad en diseño es habilidad para encontrar soluciones insospechadas para problemas aparentemente insolubles… creatividad no es más que inteligencia, una inteligencia en cierta medida cultivable y desarrollable, que en medio de una gran cantidad de información aparentemente desconectada y caótica puede descubrir semejanzas que otros no descubren, ver oposiciones que otros no ven, establecer conexiones que otros no establecen y consecuentemente, puede producir síntesis nuevas y sorprendentes.”

El psicólogo norteamericano Joy Paul Guilford dijo: “La personalidad creativa se define, pues, según la combinación de rasgos característicos de las personas creativas. La creatividad aparece en una conducta creativa que incluye actividades tales como la invención, la elaboración, la organización, la composición, la planificación. Los individuos creativos que dan pruebas manifiestas de esos tipos de comportamientos son considerados como creativos”.

Pablo Picasso dijo: “Siempre me oriento más a la dimensión emocional y prefiero actividades imaginativas e intuitivas. Mis elementos son la imaginación, intuición y sentimientos. Vivo más de fantasías que de realidades. Tiendo a la imaginación visual y/o de situaciones y/o de efectos sonoros. Percibo en el ambiente las sensaciones, la belleza, las emociones y siento la necesidad de mostrarlo a través de la expresión artística. Siento incomodidad de desenvolverme en tareas previamente estructuradas.”


Lo único que se puede obtener son percepciones de lo que entendemos de creatividad. La creatividad en si aun no se ha podido estudiar, la única forma de hacerlo es a través de sus productos, de sus resultados. El psicólogo Grahm Wallas ha llegado a distinguir cuatro fases o estadios sobre el funcionamiento de la creatividad: preparación, incubación, iluminación y verificación.

La preparación: es la fase en la que en un momento más remoto se adquieren conocimientos y actitudes de las que surgirá el pensamiento creador.

La incubación: Aquí el creador parece no estar pensando en el problema, sino que tiene un cierto alejamiento de él. Es el proceso de análisis y de procesamiento de la información centrándose en la corrección y búsqueda de datos.

La iluminación: es el momento en que se da la inspiración de la idea; cuando el problema es reestructurado y aparece la solución. Es el proceso de darse cuenta y se identifica más como un proceso de salida de información, suele aparecer después de un periodo de confusiones.

La verificación: es la última etapa del proceso creador; la solución tiene que someterse a la crítica y la verificación y así poder pulir.


La creatividad es algo que no comprendemos, que no podemos controlar, aun cuando creemos hacerlo. Porque pensamos que simplemente surge cuando se lo necesita. Podemos seguir las etapas nombradas, y es así como ocurre cuando se le presta atención. Pero no sabemos el trasfondo, por ejemplo de la etapa de incubación. La idea comienza a desarrollarse por sí misma, a juntarse con otras y evolucionar. El momento de inspiración, es el momento que la idea sube a la superficie del consiente.

Podemos imaginar a una persona creativa como un pescador en un bote, con una caña de pescar, rodeado por un mar negro y espeso. Como el pescador intentamos picar las ideas que están en la profundidad y traerlas a la superficie. Claro que las ideas que están más cerca de la superficie estarán más cerca del consiente. Y las que están más perdidas e invisibles se encuentran en la profundidad, en el inconsciente. Una idea, o un relámpago de inspiración puede llegar en cualquier momento como lo señala Lawrence Zeegen en el libro Principios de la ilustración. Podemos estar en el colectivo viajando, o viendo una película o hasta en el baño. En la alegoría, estos momentos equivaldrían a esperar en el bote descansando hasta que la caña de con algo. Nos relajamos y olvidamos lo que hacemos.

Hoy en día la creatividad está subestimada por los así mismos llamados “creativos” Como pongo de manifiesto, no es algo que se puede controlar, por lo tanto es algo merecedor de más respeto que su utilización como sustantivo sobre la persona. Una persona creativa no controla el flujo de creatividad*. Puede ocurrir, como no. En un momento puede ser creativo, pero cuando no obtiene ninguna idea ¿Qué sería? ¿Pensativo? Hoy tengo una idea y mañana no. ¿Acaso si fuera un “creativo” no tendría que poder sacar ideas como conejos de una galera? A decir verdad en algún momento los conejos se acaban.

Gracias a la capitalización y a la necesidad de esta sociedad al uso de etiquetas sobre las personas, se desplego esta palabra, que en forma ofende a la creatividad en sí. Entre el ser y el es hay una gran diferencia.

“En el Zen se enseña que uno debe realizar una acción en forma tan completa que se pierda a sí mismo al hacerlo.” -Kenneth Kraft

*A lo que se llama flujo en la psicología es cuando la creatividad está en su máxima expresión y todas las habilidades se adecuan al creador, y solo queda armonía y unificación.

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Posteado por: Hamlet | noviembre 16, 2008

Ilustraciones anamórficas

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Una anamorfosis es una deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico. Es un efecto perspectivo utilizado en arte para forzar al observador a un determinado punto de vista preestablecido o privilegiado, desde el que el elemento cobra una forma proporcionada y clara.

Muchos conocerán algunos de los trabajos de Julian Beever, que circulan desde hace algunos años por mail. Las fotografías donde muestran sus dibujos anamórficos, y que permiten la interaccion del alguien dentro del dibujo. Como por ejemplo de alguien sosteniendo una caña de pescar, metiéndose en la imagen.

En realidad hay varias artistas ya realizan este tipo de trabajos, precisar quién de ellos los hizo primeros en la época actual es difícil. Sin embargo las ilustraciones urbanas nacieron en el siglo XVI. Los Madonnaris eran artistas vagabundos que viajaban de pueblo en pueblo realizando ilustraciones de la virgen María (la Madonna, de ahí su nombre) en cualquier superficie disponible, y vivian gracias a las monedas que los transeúntes les arrojaban.

Si bien Julian Beever se otorga la creación del estilo nuevo de anamorfosis, se puede encontrar una anamorfosis en el cuadro Jean de Dinteville y Georges de Selve de Hans Holbein el Joven, de 1533. Donde la calavera humana está estirada y solo se puede ver correctamente desde cierto ángulo.

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Julian Beever:

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Es un artista británico que se a dedicado a hacer dibujos en tisa en suelo, alrededor de  Europa. La mayoría de sus trabajos permiten la interacción de alguien con el efecto óptico haciéndolo parecer como uno más del escenario. Este artista realiza sus dibujos guiándose por sogas que el coloca para poder precisar la perspectiva de cada imagen. Es decir que hace todo a ojo, sin recurrir a ninguna formula matemática.


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kurt_portraitOtro artista que no es conocido tanto como Beever, es Kurt Wenner. Wenner es un artista profesional y arquitecto que trabajó para NASA. Al descubrir las ilustraciones anamórficas en Italia, comenzó a dedicarle todo su tiempo. Trabaja con tizas de colores que el mismo fabrica. A diferencia de Beever, cuyos trabajos son más urbanos y públicos. Los trabajos de Wenner son renacentistas o impresionistas, con una carga artística mucho mayor. Son implemente impresionantes.



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Posteado por: Hamlet | noviembre 3, 2008

Muerte del autor: TV

A comienzo de este blog, el primer post que hice estaba titulado “La muerte del autor”, hablaba básicamente sobre como el significado de una obra dependía del espectador y no del creador, por lo tanto el espectador se volvía el autor real.

A continuación pongo unos ejemplos de spot que no son claros los mensajes o los elementos están forzados. Advertencia sobre mis críticas que suelen ser algo destructivas…

Cafiaspirina:

Bueno, está claro el tema, no? Faltá al trabajo, tomate una cafiaspirina y resolves tu vida, y al final del día te compras un deportivo. No vayas al laburo aunque te sientas bien, para qué?

Si bien el mensaje que transmite, es el de si te sentís mal a la mañana, tengas lo que tengas, (aunque es medio raro levantarte mal de la nada a la mañana), te tomas una cafiaspirina, y en unos minutos vas a estar como nuevo, así el resto del día lo podes desaprovechar a gusto. Da la impresión de que se trata de una súper pastillita que la tomas y te volves un excéntrico millonario de wallstreet, que juega golf, va de pesca y tiene un deportivo. Al día siguiente cuando te cae la cuenta del auto y el mensaje de que te rajaron del trabajo… la alucinación se acabo.

Clio:

Creo que este anuncio es tan directo que no llega a entenderse, no hay mucho que decir, un elemento que es la discusión el tipo en la tintorería (lo cual me parece bastante racista ese mensaje) y luego que no se entiende de comienzo si paso antes o después la segunda escena.

Movistar:

Este spot no se entiende muy bien si se lo mira así no más, creo que la clave de descifrarlo o entenderlo está en la mirada de la mujer cuando se le va el globo al nene, luego todo el spot se vuelve un dominó de mala suerte. Me recuerda al video de música de R.E.M – Bad day.

Uno de otro son hechos tan separados que no queda claro que está ocurriendo, la acción misma de como el globo se va al nene es otro hecho que puede ser tomado de “mala suerte”. Y no intentos de alegrarlo por su defortunio.

7up:

Esto es como un recurso ya que se viene dando, hacer una situación que sea cómica y “memorable” para luego aplicar la asociación que no es vista si no se la menciona. El spot es irracional ya, es demasiado obvio el elemento satírico. Yo en este el mensaje concreto no logro captarlo. En estos caso siempre es recordada la situación que da lugar pero nunca el producto.

Posteado por: Hamlet | noviembre 3, 2008

Whats up 2008

Hace poco una amiga me mostro esto, que es fascinante en verdad. Todos conocerán el spot de Budweiser llamado Whats up:

Y este es la idea del spot aplicado como propaganda de la candidatura de Barack Obama. Candidato a presidente de Estados Unidos y, posible primer presidente afroamericano.

Me parece excelente como aplicaron una crítica política a lo que era un spot enteramente publicitario. Exponiendo como elementos la inseguridad, el desempleo, la guerra de Irak, la caida del mercado y el huracan Katrina. Es muy cómico y no por eso no se le puede dejar de prestar atención.

Posteado por: Hamlet | octubre 28, 2008

El valor y precio del diseño.

Muchos libros ponen al diseñador grafico como un ente. “El diseñador gráfico se relaciona con el redactor… con esto… está en contacto con el fotógrafo, o el ilustrador…” Suena como si se tratara de un juego de ajedrez, “…esta pieza se mueve hacia el cuadro negro izquierdo, o al cuadro derecho…” La verdad es que el diseñador es un ser social, que comunica visualmente, y su interacción con otros “seres” debería ser más que científica “…proteínas denominadas Moléculas de Adhesión son las responsables de las interacciones entre células…”

Toda la interacción en si es un elemento social, se debe valorar más y desde un aspecto diferente al diseñador grafico y a su trabajo. Pero siempre debemos por comenzar valorando nosotros mismos el trabajo que hacemos. Lo que hacemos es lo que somos, si no estamos contentos con nuestro trabajo estamos descontentos con nosotros mismos.

Eso es lo primero que tenemos que tener en cuenta cuando presupuestamos un trabajo, en especial cuando es el primero. Debemos poner un precio mínimo limite que es lo que vale para nosotros el trabajo; hablando de valor, dependiendo de la dedicación que le ponemos, las ganas; todo lo que nos define como buenos diseñadores. No me refiero a “buenos diseñadores” como diseñadores con experiencia que ya la tenemos clara en lo que hacemos. No, a lo que me refiero con “buenos diseñadores” es al diseñador que somos interiormente, al ímpetu que ponemos en cada trabajo, las ganas, como nos preocuparnos por saber más o ver más.

Partiendo de ese valor que nos autodamos, cobramos los trabajos que hacemos, el primero será un estimativo, luego ya podremos calcular cual será el valor final de los próximos a ver. Dependerá de cada uno, una web se puede cobrar por páginas que tenga el site; si es un libro, se puede cobrar tantos pesos por página que llegue a tener.

Lo importante es hacer lo mejor que podamos con las herramientas que estén al alcance de nuestras manos. En una conferencia escuche decir que una buena idea es una mala idea, la buena idea es la idea que obtenemos por conformistas luego de renegar mucho tiempo; la idea correcta es la muy buena idea o la idea excelente, que sabes que es la que buscábamos. Lo primero que se aprende es a rechazar la primera idea, puede no ser mala, pero puede ser mejor, mucho mejor. Si algo no nos satisface, creemos que se puede mejorar, lo rehacemos, la cantidad de veces hasta que estemos convencidos de que debe ser ASI.

Todos los clientes son grandes, no sería lo mismo tener a Coca Cola como primer cliente, pero eso es imposible; por lo que los primeros clientes serán grandes, con grandes trabajos nuestros. Ese cliente representa a otro, y este a otro, y así podemos llegar a clientes de rango que estemos preparados. Recuerden que no se puede saltar la montaña, hay que escalarla. Cómprense un manual de alpinismo, siempre es la mejor opción. Claro que no puedo decirles que manual… eso depende de ustedes.

Posteado por: Hamlet | octubre 25, 2008

La sombra de la ilustración

No sé si se han percatado, pero durante los últimos años, en los trabajos de diseño, en especial en anuncios, la ilustración como elemento conceptual ha ido desapareciendo. Tomada como un elemento más de la composición, sin ningún concepto directo que no pueda ser expresado por otro elemento. El hecho es que la utilización de la ilustración agrega un elemento de trabajo y habilidad. Es decir, una fotografía es más directa, se retoca y listo. La ilustración requiere habilidad y visión. Mientras que el fotógrafo arma la escena, el ilustrador la crea de cero.

El diseño se ha visto dividido entre el arte y la fotografía. En América gracias al éxito de Hollywood y otras variables, la fotografía tomó gran importancia. En Europa en cambio, con los movimientos artísticos, el diseño adoptó más una identidad por este brazo. Dejo en claro que esto no es blanco y negro, solo gris con cuadros blancos y negros en los extremos.

El uso fotográfico es más directo, está todo dicho y explicito. Hoy en día la gente se detiene menos a pensar, están apurados en estilos de vidas saturados, entretenidos por programas de televisión malos. Todo está hecho para evitarle pensar al espectador, y de a poquito, grano a grano su sentido crítico va desapareciendo, si alguna vez fue 5 segundos el tiempo que presta atención una persona a un cartel colgado en vía pública, ahora son 5 centésimas.

La ilustración exige un nivel más de comprensión, utilizando la retorica, la percepción visual, semiótica y otras herramientas visuales, se logra una pieza llena de creatividad. Para poner un ejemplo, traigo algunos de los trabajos del maestro Shigeo Fukuda, diseñador gráfico y escultor japonés, famoso por sus esculturas tridimensionales que juegan con las sombras.


Un artista nacional, que tiene más de artista que de diseñador es el maestro Ricardo Cohen (Rocambole) Responsable del diseño de los discos de los Redondos.

Hace un mes aproximadamente tuve el placer de escucharlo en una charla. Entre todo el repertorio de temas que hablo, muy interesantes por cierto, dio el ejemplo de que cuando somos chicos y tenemos una imposibilidad al escribir lo llaman dislexia, pero no hay una palabra si no podemos dibujar, “podría llamarse dibuexia” bromeó Rocambole. Desde pequeños dibujamos, todo lo que se nos venga a la mente, pero luego cuando crecemos, llegan el “no me sale” y “el no puedo”. ¿Cómo puede ser que algo que resulta natural para nosotros desde el comienzo sea remplazado por algo tan artificial como la fotografía?

Ha llegado hasta el punto que hay anuncios que solo son estrictamente fotografías, sin ninguna creatividad, solamente un retoque que aparenta ser creativo, pero que resulta bastante trivial.

Posteado por: Hamlet | octubre 24, 2008

Diseño político: Olimpiadas

Diseño político, ya sé que cuando leemos o escuchamos esa palabra queremos correr en dirección contraria y escaparnos. Este no es el caso, voy a tomar una de las definición de “político” que da la Real Academia Española: “Actividad del ciudadano cuando interviene en los asuntos públicos con su opinión, con su voto, o de cualquier otro modo.”

Bien, ese cualquier otro modo es a través del diseño. Cada trabajo que hacemos no dejan de ser una opinión, tal vez no nuestra, tal vez del cliente, siempre depende de las circunstancias. Pero la mayor parte del diseño se usa para expresar una visión que se tiene del mundo. No se trata de polisemia estrictamente dicha si no de visiones en sí.

Tome para este caso, un ejemplo que es bastante claro, que expone dos tipos de trabajos que siguen ideologías diferentes. Entendiendo ideología, según el marxismo, como el proceso por el cual las ideas de grupos sociales dominantes son aceptadas como verdades por el resto del mundo. Dicho eso, dependerá de ustedes a quien creer.

Durante los juegos olímpicos, la división de Adidas de china lanzó estos afiches como promoción del evento. Véase el concepto utilizado, bastante… “aliento” pusieron en cada uno de los afiches. Llega a ser gracioso, por lo idiotas que toma al espectador.

Por ahí, alguno pudo ver por Discovery Channel que pasaban un documental llamado Beijing.  Mostraban como eran entrenados principales atletas de Estados Unidos, Inglaterra, China y algún otro país. La realidad es que con su gobierno totalitarista, China imitó el Sistema Deportivo Nacional desarrollado por la ya muerta Unión Soviética, para el entrenamiento de atletas desde temprana edad, reconociéndolos por sus habilidades. Otros países como Rumania y Alemania oriental copiaron este sistema, pero desde la reforma oriental, China fue la única que siguió empleándolo. Y claro le funciono muy bien, se llevaron 51 medallas de oros y pasaron a primero en la lista mundial.

Los deportistas viene a ser algo así como atletas descartables, luego de cumplida su vida eficiente quedan literalmente en la calle valiéndose de nada, sin ninguna ayuda de su gobierno (más o menos como ocurre en Argentina, solo que la ayuda no llega ni desde el principio). En esta página lagranepoca.com podrán leer información sobre todo lo que ocurrió

Y a esto llegamos a los afiches de Amnistía. Para los que no lo saben, Amnistía Internacional es una institución que pelea por defender los derechos humanos. Durante las olimpiadas promovió estos afiches como protestas a la pantalla creada por China con toda la promoción que hizo del evento, todos vimos la inauguración de las olimpiadas, vimos los fuegos artificiales, la mitad reales y la mitad digitales, los vimos todos. Todo ese derroche de ostentación y soberbia que fue el evento completo. Lo que no se vio fue lo que expone los trabajos de Amnistía. Permítanme traducirles lo que dice… “China se está preparando para asegurara la estabilidad y armonía en el país durante los juegos olímpicos del 2008. El gobierno chino continua deteniendo y acosando a activistas políticos, periodistas, abogados y trabajadores por los derechos humanos. Involúcrate: www.amnesty.sk

Posteado por: Hamlet | octubre 22, 2008

La muerte del autor

Hace no mucho leí el libro, Comunicación visual de Jonathan Baldwin y Lucienne Roberts. Mas allá de lo interesante que resultó el libro. Expuso algo interesante que puede sonar ya sabido u obvio para muchos de nosotros. Se trata de la interpretación del mensaje en nuestros trabajo de diseño o publicidad. El término “la muerte del autor” (que es como lo extraje objetivamente del libro) fue acuñado por Roland Barthes para expresar, como el significado pertenecía a aquel que leía la obra, y no a quien la creaba. La semiótica pone a la comunicación como la producción de significado. Pero este significado depende a quien nos dirigimos. ¿Es en realidad así? ¿Somos los creadores de significado? Claro que no, nosotros más bien somos constructores, edificamos tomando elementos culturales existentes y los reorganizamos guiándonos por cierto objetivo al que queremos llegar dependiendo de nuestro cliente. Luego es donde el verdadero significado aparece.

Por ejemplo, cuando una persona regala un ramo de flores a alguien que aprecia, las flores significarán diferente; el vendedor las verá como un medio para ganarse la vida; para quien las regala será un intento material de demostración de un sentimiento, y para quien las recibirá, transcienden de un elemento común a una demostración efecto.

El problema es que muchas veces no pensamos en el autor, es decir en el público; lo hacemos pero no nos damos cuenta que en realidad pensamos en nosotros mismos, porque sabemos que color puede significar esto, o que forma significa aquello. Y así con el uso de todos los brazos que da la retórica. Pero el público puede no saber o interpretar igual que nosotros. Hay una gran variedad de personas y cada una con una configuración de personalidad diferente, con experiencias diferentes. De aquí que viene la importancia de la investigación del mal llamado “target”, se trata de conocer al “autor” en realidad.

Joan Costa manifiesta que hay dos circuitos diferentes. El primero es el circuito entre el diseñador grafico/publicista con el trabajo en sí, teniendo de intermediario al cliente. Y el segundo circuito es entre el trabajo de diseño y el espectador, por intermedio del diseñador gráfico/publicista. Como intermediarios no podemos fallar la comunicación generando ruido al saltar sobre el espectador creyendo que leerán lo que nosotros pongamos para que lean. Para la semiótica y como lo exponía Roland Barthes, el significado surge al leer el mensaje y no al escribirlo.

Para una exposición práctica les dejo una imagen cuya ambigüedad expone lo dicho. Es más que seguro que cada uno de ustedes hará una interpretación diferente de la imagen. Y esa interpretación dependerá de su propia experiencia, de su personalidad, y demás y demás y demás.

El cielo en la tierra

Camino al paraiso

Perdidos en el amor

Dude, Where’s my car?

El silencio de la soledad

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